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Lo que el FICUNAM nos dejó (d)

Simulacro y orfandad: Que descansen en rebelión (Figuras de guerras I)


por Adriana Bellamy


En Qu’ils reposent en révolte (Des figures de guerres I) (2010), Sylvain George consolida una poética cinematográfica para abordar la cuestión migratoria en relación con las estrategias policíacas presentes en el Estado moderno y en la sociedad.


Rodada a lo largo de tres años en Calais —ciudad representativa de la migración en Europa y de las políticas generadas en torno de esta problemática—, el documental muestra la experiencia cotidiana de distintos grupos de inmigrantes de África y de Medio Oriente. La primera imagen, un gran long shot del amanecer en las montañas se transforma en símbolo tanto de la situación nómada de los inmigrantes como del propio proceso documental.

George registra de manera fragmentada varios momentos en la vida diaria de estas personas, como la espera para introducirse en un camión que los lleve hacia Londres; el momento de compartir refugio y comida; su búsqueda desesperada de un lugar donde dormir y estar; durante sus diversas travesías y dificultades para moverse, en un entorno amurallado, vigilado, fijo y hostil, ante el implacable acoso policiaco.

El paisaje se convierte en un personaje más, pues se alterna constantemente entre los escenarios de la ciudad, el seguimiento de algunos grupos (la escena del baño comunitario a orillas de un canal) y los acercamientos individuales que expresan los terribles testimonios de estas figuras de la sombra, denominados por George como los quemados por dentro.

En una de las secuencias más impresionantes del filme vemos en planos de detalle a varios hombres que se queman los dedos con clavos ardientes para borrar sus huellas digitales, borrándose de este mundo. En este punto, el discurso benjaminiano —al que se alude en la cita que antecede a la primera imagen— adquiere otras dimensiones cuando se observa de qué manera los seres han sido reducidos a su cuerpo desnudo, esa “pobreza desesperada” que nos recuerda a Shakespeare cuando su Lear se percata de la indigencia del ser humano en un mundo violento. Precisamente, esta crítica a la violencia tiene su apoteosis en la parte final de la película cuando George nos muestra el desalojo brutal por parte de la policía de un campamento de inmigrantes llamado “la jungla”.

La estética del filme se concentra en las diferentes vistas del paisaje, las posibilidades plásticas del encuadre y los diversos sentidos simbólicos del claroscuro como observamos en la composición cuidadosa de todo lo que aparece en campo: en los primeros planos de la arena, la espuma, la textura de los animales marinos, en la imagen-afección de los rostros sobre expuestos o en los cuerpos que se manifiestan en el espacio mediante una sombra proyectada en el asfalto.

En Que descansen en rebelión… la magnitud de la imagen se abre ante el espectador en el empleo impresionante de los campos vacíos que remiten de manera contundente al referente ausente de unos cuerpos a través de su paso por el mundo, percibidos mediante los indicadores de la presencia y la identidad despojada: unos pares de botas, ropa, mantas, los restos de una fogata, etc. Por eso, la cámara de George no es estática, establece una dialéctica compleja entre el compromiso político de lo que se muestra y una preocupación formal: angulación de la cámara, jump cuts, el uso del ralentí, distintos focos y luces, magnitudes escalares del encuadre, entre otros. De ahí la importancia de utilizar el fundido en negro, regulado rítmicamente por la voz en off de Valerie Dréville, que mediante la repetición brinda una fuerza inusitada al retomar las palabras de todos los rostros que hemos visto desfilar en pantalla: “Estamos aquí, Kalluah, es necesario dar una señal.”

En la última secuencia, la cámara sigue a una de estas figuras en su paso por un centro de retención cuando, en un acto decisivo, después de subir a una de las literas, se cubre completamente el cuerpo con una sabana de fieltro. Su silueta oscura queda marcada como lo que ha sido, es y no es al mismo tiempo: una sombra, un simulacro, el descubrimiento de su propia muerte social, jurídica e histórica.

La poética visual del filme se acentúa mientras escuchamos, durante los créditos finales, Sometimes I feel like a Motherless Child en la interpretación de Archie Shepp, uno de los grandes representantes del jazz en relación directa con el surgimiento del Black Power en Estados Unidos durante los años sesenta. Así, mediante un mosaico de referencias no sólo se alude a la crítica social sobre la violencia dirigida contra los sectores más vulnerables de la sociedad sino a la orfandad como condición de posibilidad de la existencia. Por eso, el director reafirma esta estructura elegíaca cuando, después de los créditos, nos ofrece como corolario la imagen invertida perfecta, que se vincula con el inicio del filme: un long shot de unas pirámides con la voz en off femenina que dice “La victoria es del pueblo.”

Aunque un año más tarde, este filme ganador de la 13ª edición del BAFICI y premiado por el FIPRESCI pudo ser finalmente exhibido en la segunda edición del FICUNAM, dentro del programa Cámara Lúcida. Justamente, en la belleza fotográfica de las imágenes del documental de George se despliega el punctum señalado por Barthes en el texto que le da nombre a esta sección. Pues, en los diversos planos de esta ciudad portuaria, sus calles, parques, vías, embarcaderos, nieblas y resquicios encontramos siempre la presencia penetrante de estas figuras sin nombre, una herida que punza, más brutal e inmediata por su ausencia en pantalla, por el rastro y la huella que van dejando.


10.04.12

Praxedis Razo


Un no le aunque sin hay te voy ni otros textículos que valgan. Este hombre gato quiere escribir de cine sin parar, a sabiendas de que un día llegará a su fin... es lo que más le duele: no revisar todas las películas que querría. Y también es plomero de avanzada. Mayores informes y ofertas al 5522476333. ....ver perfil
Comentarios:
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